ふるたこ徒然

ゴールデンウィーク中、2つの音楽祭に参戦してきた。

▼5/3


「ラ・フォル・ジュルネ・オ・ジャポン　熱狂の日」東京国際フォーラム

今年はシューベルトの特集なんぞやっておったわけだが、私は一応奏者として無料公演にちょこっと出てきました。
しかしね、シューベルトですからなあ。誰だっけ？という感じで、まあ。
グッズ売り場にいったらシューベルトTシャツからマグからお皿までいろいろとり揃えられていて、いつかショスタコーヴィチの年もくるんだろうかという淡い期待を抱かずにはおれんかった。ショスタコグッズほしいのう。

▼5/4


「hide memorial summit」味の素スタジアム

TOSHIはちゃんと「あ〜じ〜の〜も〜と〜」とシャウトしてた。
没後10年となったhide追悼のLIVEです。追悼といってもYOSHIKIの言葉のとおり、これは「祭り」で、甦ったエクスタシー・サミットなのだった。
LUNA SEAとX JAPANの共演に歓喜し、「無敵バンド」（こうして名前を書いてみるとなんともダサいが、それがイイ）のXに狂喜した1日だった。
書くと長くなるので、ひとこと。


hide、ありがとう。

最高にカッコイイ男たちのLIVE。

in the rain, find a way

最も好きな言葉かもしれない。

ついに「はぐれ悪魔超人コンビ」が揃ったぜー！


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やはりこの2人はセットでいると絵になるのう。

少し前に『スウィーニー・トッド』を観に映画館に行って、上映前にお店をぶらぶらしてたらたまたまキン肉マンのガチャガチャがあった。
で、やってみたらキン肉マングレートいやさカメハメ師匠だった。
そのときはまあそんなもんかと思って帰った。
この前、『ジャンパー』観にまた映画館に行って、どれどれと思ってガチャガチャに挑戦したらキン肉マンだった。
おお、これは「マッスルブラザーズ」が揃ったじゃないかと思ってそれなりに納得してたんだが、ショーケースの中にアシュラマンとサンシャインが並んで立っているのを見つけてしまった。
ものすごくカッコイイので欲しくなってしまった。
で、もう1回回したらグレートよ。
「ええい！」とばかりにさらに回したら「ゲーッ、キン肉マン！」
僕は少年時代にに『キン肉マン』を読んで、決してあきらめてはいけないことや希望を捨てちゃいけないことを学んだ。友情と努力の大切さを学んだ。
だから、もう1回回した。
「ゲーッ、キン肉マングレート！」
せめてモンゴルマンとかテリーマン出てくれ…。

というわけで、何度も挫折を味わった。
やっぱりアシュラマンとサンシャインの「はぐれ悪魔超人コンビ」ファンの僕はあきらめきれず、たびたび挑戦しては敗れた。
倒れるたび、傷つくたび、俺は強くなった。
やがてアシュラマンを手に入れたはいいが、サンシャインの方は箱売りでひとつ470円もした。
「ゲーッ、グレート（原作カラーver）」
「ゲーッ、牛の超人！」
の後、あまりにも他とは重さの違う箱を見つけて、「これだ！」と確信。
ようやく、今日サンシャインが手元にやってきたのだった。


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衣装を変えてみんなの前に現れたお2人

では、最後に名言をひとつ。
「悪魔にだって友情はあるんだ〜」
ウイーン、ウイーン、ウイーン…　←呪いのローラーの音
「ばかやろう…、悪魔にとって人助けは罪悪だといっておいたはずだ」

結局、劇場では見なかったのだが、DVDになっていたのでリメーク版『転校生』を見た。オリジナルの『転校生』が1982年だから、25年後のリメークにしてセルフリメーク。



リメークやパート2はオリジナルを超えられないというジンクスをいかに破るかという点においては、いかにも大林、しかしオリジナルとは完全に違う映画に仕上げたことがすごい。100パーセント大林宣彦の映画であるにも関わらず、新鮮で視聴者を裏切る。これは一握りの芸術家のなせる業だと思うというのは大げさかもしれないが、ある種の超強力な引力をもって我々を惹きつけるのは確かである。

というわけで、長野に舞台を移したリメーク版の魅力は要約すると3つ。
ベタなストーリー、ハイライトシーンの見事さ、主演2人の存在感。

大林映画である。ストーリーは超ベタである。原作は未読だが、82年版は大筋はなぞっている。リメーク版は後半がほとんどオリジナル。一美が不治の病で倒れた辺りからの「世界の中心でなんとか」みたいな展開はおいおいと思うものの、そこからがこの映画の本領発揮だ。白々しさはとうの昔に通り越えた大林御大である。
弘君の持つキルケゴール『死に至る病』とリンクしながら、拙い哲学を披露しつつも真実を語る視点が本当に素晴らしい。オリジナル以上に弘君が重要な位置にいて、彼が語る言葉（それは未だ答えの出ない未完成なもの）を拒絶しながらも受け入れ、自分なりの答えを見つけ出そうとする主人公たちが素敵だ。生死について語ろうとする姿勢が、ベタな展開のストーリーの中である種のファンタジーを帯びているからこそ見れるのだ。
そして本作のハイライトシーンは、修学旅行（みたいなの）で出かけた先でピアノを弾きながら歌う一夫＝一美。主人公がピアノ弾きで、そこに過去の恋愛模様が隠されているのはいかにもな設定だが、一夫と一美が一体になることによって口から自然にこぼれてくる歌声が心底綺麗だ。このシーンは後半戦への転換点となっている。あざといぐらいに、「これでもか！」と用意されたハイライトなのだが（それが100パーセント大林であることの理由である）、美しい。
一美役は蓮佛美沙子という無名の少女だが、CMでひと目見たときから「大林宣彦のヒロイン」だった。石田ひかりとか原田知世の系譜と言うべきか。もちろんそこに素晴らしい個性があるからヒロインが務まるわけだが。魅力的なのは一夫を演じているときのほうかな。気の強そうな面と優しい面を同居させられる目つきが何より素晴らしい。
一方の主人公、一夫を演じるのは森田直行で、特別ハンサムではないのだが印象に強く残る俳優。『女王の教室』のスペシャル版で狂気のいじめっ子を演じていたが、本当に頭がおかしいんじゃないかと思ったぐらい（褒め言葉）。母親との会話にしてもとうていありえないような内容なのだが、まるでアニメの声優みたいにサラサラと喋る。最初の電車内のシーンが成り立つのは彼ゆえだろう。

弘君、アケミと彼らの関係を理解し信じられる仲間の登場もファンタジーとして優れているし、それでいて大人を否定し続けないところもいい。まさにファンタジーというべきか。そもそもあの斜めに傾いたカメラと広角レンズは何だ。画面が歪んでいるように見えて、慣れるまではかなり気持ち悪い。しかし、それがあの大林ファンタジーワールドを作り出しているんだろうな。今回のに関して言えば。



トランスジェンダーものとしての面白さは82年版で体験済みなので、それ以上のものは期待のしようもなかったのだが、ひとつ、彼らが旅芸人の一座と泊まった宿のシーンは好きだ。男になってしまった一美のほうから一夫の布団に入って、「我慢できない」と迫るところ。そしてその後に迎えるもうひとつのハイライト。名台詞のくだりです。

最後は、まったく82年版とは違う終わり方をするんだが、妙に感動してしまった。
というわけで、次回はオリジナル版について書きたいと思う。←守られない予告

ショスタコーヴィチの歌劇《ムツェンスク郡のマクベス夫人》は、ショスタコ全作品の中でもとりわけ問題作とされているが、何と言いますか、見てみれば納得のクライム・オブ・ビジュアルショック！


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魅惑の男セルゲイ

▼主な登場人物

・カテリーナ…大富豪イズマイロフ家のとこに嫁いだ若妻。
・セルゲイ…イズマイロフ家の若い使用人。好色一代男。
・ジノーヴィ…イズマイロフ家の当主でカテリーナの夫。
・ボリス…ジノーヴィの父で、イズマイロフ家の先代当主。セクハラ担当。

▼あらすじ

カテリーナは地方の富豪イズマイロフ家に嫁いできたけど、仕事で忙しい夫ジノーヴィは単身赴任だし、先代当主の舅ボリスはとんでもないセクハラ親父だった。

うんざりしていたカテリーナのもとへ現れたのは、ワイルドな魅力全開の若い使用人セルゲイ。女中たちの間でもウワサの男。前の奉公先では奥様と不倫したのがバレてクビになったとか、危険な香りがぷんぷんする。

イズマイロフ家で働き始めたセルゲイは、さっそく女中をﾚｲｰﾌﾟしてお楽しみなご様子。
やがて、カテリーナのところへも夜這いにやってくる。
一応抵抗するものの、「だめよだめよも好きのうち」なのか2人は結ばれてしまうわけです。

情事の後の帰り道、セルゲイは運悪くボリスと遭遇して不倫がバレてしまう。そこでカテリーナは「毒入りきのこ料理」でボリスをｻﾂｶﾞｲ！
続いて、突然帰宅してきた夫ジノーヴィもｻﾂｶﾞｲ！酒蔵に死体を隠します。「最近彼から連絡ないね〜」ということで、夫は失踪したことに。

しかしイズマイロフ家に酒を盗みに入った男が、酒樽からごろんと死体を発見。
あえなく、カテリーナとセルゲイは逮捕されてシベリアに送られることに。

それでもカテリーナのロマンの中ではまあ、禁断の愛を貫いて愛する人と流刑されるならそれもまたよしということなんだが、シベリアへ向かう途中でふと気づいたらセルゲイはもう若い女囚ソニェートカとねんごろになっとる。さすがである。

このソニェートカという女がまた恐ろしいのだが、セルゲイに「あの人の靴下、あたしにちょうだい」と、愛の証としてカテリーナの靴下を要求する。「その靴下を俺にくれ！」と靴下フェチな展開の後、カテリーナはソニェートカを凍える河に突き落としてｻﾂｶﾞｲ！
自らも入水自殺をして果てます。セルゲイﾎﾟｶｰﾝ。
で、他の囚人たちが「俺たちに明日はあるんかのう」とぼやきながら終幕。

▼駄文

なんてひどい話だ。
善人が一人も出てこないどろどろソープオペラ。
いやしかしね、あらすじだけ書くと「こんなの何が面白いんだ、俗物がっ！」なんだが、オペラを見ると非常に面白いわけです。セルゲイへの勘違い愛のためにどこまでも堕ちていくカテリーナの描写が興味深いが、それは決して近年よく言われるような「真実の愛」とか「純愛」とか美化されたものではない。不倫こそロマンス、みたいなものは一切ないし、かといって人間の根源的な愛憎含む情欲についてのオペラかというと、そこまで大そうなものでもない。ようは、カテリーナの死に様のあたりにこの物語の真髄があると思うんだが、カテリーナが殺すのはソニェートカであってセルゲイではない。セルゲイには向かえない。そこに悪女カテリーナの弱さがあるわけです。つまり、どうしようもない矛盾を抱えて、一時のロマンスに身を投じるもその全てを否定されて死んでいく女という。ソニェートカの恐ろしさも、カテリーナと同様のサディスティック・デザイアー。一方で、セルゲイは2人も殺してカテリーナを手に入れたのに、すぐにソニェートカに気持ちが移って、さらにソニェートカが殺されても「ふうん」という感じ。混沌としか言いようがない。これを当時の混乱しきったソビエト社会の風刺だということもできるだろうが、あまり深読みしすぎると、ショスタコを楽しむ妨げともなる。この物語を丸ごと受け取って通して聴いてみると、音楽としての面白さを差し引いて物語だけを追ってみてもなかなか面白い。硬派な俗物とでも言おうか。うむ、それがいい。

このオペラが作られたのは1932年。ショスタコーヴィチ26歳である（うおー）。
枠組みとしては、交響曲第5番以前のもので、前衛的な影響を強く受けた初期作品群の最後のものである。交響曲で言えば2、3番あたりの実験的で挑戦的、野心的な作品を書いていて、壮大で技術的でパワー全開の4番を書いていた頃である。まだスターリンがどうこういう前の作品である。想像にすぎないが、才能豊かでそれゆえにちょっと生意気な若者だったのだろう。
で、この《マクベス夫人》が批判にさらされたことでこの後がらりと制作姿勢を変えていく。大作4番は一時封印、体制を意識した5番にて名誉挽回。もちろん、5番は体制迎合の曲ではないし、最新の研究ではそれこそショスタコーヴィチ自身の不倫をテーマにした部分が含まれていることが指摘されている。ようは、「体制に受け入れられるであろう曲」を書き分けるようになったという意味で、制作姿勢を変化させていったということだ。そう考えると、ショスタコ氏が結婚記念に『マクベス夫人』を妻ニーナに献呈したのは彼の「若さゆえの過ち」による自信の表れなのだろうかと勘ぐってしまう。

音楽的にはこの時期の作品だから、例えばこうイメージすると分かりやいかもしれない。交響曲第4番が2時間続いて、しかも劇と歌がついてくる興奮！ほう、それはすごいじゃないか！という感じ。
深読みをしすぎるよりは、それでいいような気がする。深読みすべきは《カテリーナ・イズマイロヴァ》のほうにあるかもしれない。オーケストレーションの変化は、「ちょっと刺激的すぎたかな」という反省や、R-18指定を回避したいあまりつまんない映画になっちゃったホラー映画みたな感じなのか、それは何とも分からないが、交響曲で言えば第4番のようなストーリー性を持たない巨大な音響音楽が、もう交響曲としては現れなくなってしまったのと関係しているのかもしれない。同時に、刺激的な部分が検閲を恐れて書き換えられたという憶測とはまったく別のところで新しい音楽が加えられていたりと、音楽的にも構成上も更なる進化を遂げているのは事実である。なお、《カテリーナ・イズマイロヴァ》としての復活は交響曲第13番《バビ・ヤール》の次に位置し、弦楽四重奏曲第8番とも作曲年が近い。

ていうか、何で急に《マクベス夫人》かというと、超刺激的な映画版（上の写真はその一部）を最近観たのが原因。次回は映画版について少し書こうと思う。

10月22日（月）、お台場にて。

歴史的瞬間の目撃者になるべくお台場に行ってきました。
10月18日にめざましテレビとスポーツ紙、それからメンバーのHPで告知されたX JAPANのPV公開撮影である。

いや、今年に入ってから噂が加速していたのだよ。ToshiのHPでロサンゼルスで「旧友」と再会したと報告があったし、スポーツ紙や週刊誌でも復活の話題が度々取り上げられてきた。
いてもたってもいられなくなったのは、映画『SAW4』の公式ページのスタッフ一覧にX JAPANの名と「I.V.」なる曲名を見つけた後。映画公開までひと月、それなのに何のアナウンスもなく突然Xの表記と、見知らぬ曲名。誤植じゃないかと思った。いくらなんでも新曲なんてありえないだろうと。
それが！18日の朝のニュースですよ。オーケストラをバックにいかにもYOSHIKIなドラムがガンガン鳴るバンドサウンド、それにTOSHIのヴォーカルが乗った聴いたことのない曲。

「まさか、TOSHIが帰ってきた？」

歌声を聴いた瞬間、その疑問は確信へと変わった。
これだ！これがXの音色なんだ、と。VIOLET UKじゃない、X JAPANの音色なんだと。
YOSHIKIの曲にTOSHIのヴォーカル、これがX JAPANの原点。幼稚園の「すみれ組」から一緒で、小中高とバンドをやって、高校卒業と同時に2人で上京して、青春の全てをかけたバンド。メンバーが次々と去っていっても、「また2人になっちゃったね」と言いながら2人で守って、作ってきたバンドだ。
「HIDEがいないXは、Xじゃない」のと同様に、「TOSHIがいないXは、Xじゃない」。



さて、PV撮影はアクアシティ屋上で行われ、我々はその下にあるお台場海浜公園からモニターでその様子を見ることに。時間になり、モニターが点いて屋上の様子が映し出されると、ファンの歓声はもう大変なことになっていたが、何より次にTOSHIの姿が映ったときの感激は愛憎入り混じったというか、何ともひと言では表せないものだった。
だってTOSHIが辞めるって言うからX JAPANは解散せざるをえなかったのだし、その後のTOSHIの活動は一般のファンには不透明でよく理解できないものだったのだから。宗教に洗脳されたとか、怪しげな自己啓発セミナーの手先になっているとか、散々なことがマスコミで報道されてきた。
しかし、モニターにTOSHIが映って、10年分ちゃんと歳をとっていて、頬は少したるんだ気がするし額にもしわがあるんだけど、やっぱりサングラスをかけたその姿と声はTOSHIそのものであったことに、感動したんだ。ほんとに。
で、「TOSHI〜！」という歓声のすごいこと。凄まじい歓声だった。みんな、待ってたんだよ。TOSHIが帰ってくるのを。何だかんだ言いながら、みんなTOSHIが大好きなんだよな、と思った。私もTOSHIが好きだ。TOSHI…、罪深い男よのう。
確かにYOSHIKIは神々しいまでに美しく（とても42歳とは思えん）、集まったファンの大部分がYOSHIKIファンなんだろうけれども、この日に限っては「TOSHI」への歓声が大きかった。

当たり前っちゃあ当たり前なんだが、TOSHIが笑ったり喋ったりするところが映ると「ああ、TOSHIが笑ってる！TOSHIが喋ってる！」と泣きそうになった。何だそりゃ、って感じだけど。YOSHIKIと喋ってるところなんて、ラストライブ以来10年ぶりだし。で、屋上の縁ギリギリに2人で立ってこっちに手を振ってくれたときは、多分この日一番の感動だったんじゃないか。
しかも2人はかつてのように、ふざけてじゃれ合ってるんだ。TOSHIがYOSHIKIを屋上から突き落とすふりをしたり。本当に楽しそうに笑ってるYOSHIKIの姿に感動。「だってTOSHIが押すんだも〜ん」とか言って（相変わらず年齢と性別に相応しくない仕草をするYOSHIKI）。

HEATHがカッコよすぎた。10年前からルックスはものすごくよかったけれど、39歳でこうなったか、という。YOSHIKIと違ってちゃんと歳をとってるんだよ。けど、カッコイイ。あのカッコよさに静かな会場がざわついた。PV撮影が始まって最初の方は、公園のスピーカーは切ってあった（近隣への配慮からか）ので、驚くほどファンは静かにモニターを見てたんだが、HEATHがアップになったら、あちこちから「超カッコイイ」というため息のような声が…。何と言うか、半ば「何だよあれ」みたいな感じで（笑）。「何であんなにカッコイイんだよ、HEATH」と。特に笑顔のとき、女性ファンのみならず、男ファンからも嫉妬にも羨望にも似た感じの声援を受けておった。ゴシックな衣装と目の周りを黒く塗ったメイク、左右非対称の不思議な髪型がまた素晴らしくて、これぞヴィジュアル系の鑑。相変わらず超細くて足が長いし。

で、何もしてないのにPATAが映るとなぜか笑いが起きる。「PATA〜！」という男の叫び声があちこちから上がる。さすがPATA。このキャラクターは稀有だ。少し額が広くなっていたが、10年前とあまり変わっているように見えないのが不思議。最後のコメントもPATAらしいし、ほんと救われるわ、この偉大なギタリストの姿を見ると。X JAPANという悲劇的な宿命を負ったバンドの一員であるにも関わらず、悲壮感を感じさせない。コメントを求められたときの仕草もPATAそのもので、変わらぬ姿を見せてくれたことが何より嬉しい。

ニュースでは1万人らしいが、あそこに集まってたファンはYOSHIKIとTOSHIがあんな風に喋ってるところをずっと見たかったと思うし、この日を待っていたと思う。確かに、人ごみの中で平気でタバコを吹かしたり、子供を近くで遊ばせてたり、ペットボトルとかのゴミを捨てていったりと、マナーの悪いファンもいた。少数だけどいかにもな感じのコスプレの人たちや、モニター近くには懐かしい古参の方々もいた。ニュースではどうも偏りがあるようだったが、男女比は半々ではなかっただろうが4：6ぐらいだろうか。会社帰りのサラリーマン風のスーツがたくさんいた。私もその一員。みんな30前後ぐらいで。きっと中学生ぐらいのときにXの洗礼を受けた世代。驚いたのは、制服姿の高校生がちらほらいたこと。解散後も着々とファンを増やしていたのだと分かる。
終了後は近くのマクドナルドやバーミヤンがXファンで占拠、行列を作っておったのう。店内もXの話題一色だったに違いない。

いやしかし、4人のメッセージがまたよかったですな。HEATHが関西訛りで「これからまた（この「また」が関西訛り）、新たな伝説を刻んでいきたい」。HEATHは無口で喋らないイメージだったので、あまりのサワヤカな喋りと笑顔に悩殺されました。ちなみに、ソロ3rdアルバムの「Desert Rain」はYOSHIKIへのオマージュか（あるいはYOSHIKIから受けた影響が出たか）と思えるぐらいXの名残りを見せる、しかもそれでいてHEATHらしいデジタルロックの1枚。
YOSHIKIはHIDEのぬいぐるみを抱えながら「HIDEも一緒に世界デビュー」と。新曲「I.V.」にはHIDEのギターがサンプリングされて収録されている。「HIDEがいなきゃXじゃない」というファンはいくらでもいるが、それはYOSHIKIが一番分かってることで、その思いがこうした結果につながったのだと思う。よく考えたな、というよりは何だか優しいYOSHIKIの気持ちを感じる。
TOSHIは笑顔で「ども」。最後にひと言、と問われたときは無言で何度か頷くだけだったけど、これはあえて無言を通したというよりは、何て言っていいか分からないうちにカメラがPATAに写ってしまったという感じだと思う。
PATAは右手を上げて「ありがとうございやした」。なぜか爆笑。これがPATAですな。

つくづく、映画みたいなストーリーを地でやってるバンドだな、と。
YOSHIKIの「VIOLET UK」も、Toshiの「癒しのコンサート」も、PATAの「Ra:IN」も、heathの「Lynx」およびソロ活動もそれぞれの道で頑張ってほしいし、それぞれの目指す音楽をやっていってほしいと思うけれど、たまには思い出深いX JAPANというバンドに帰ってくることがあってもいいよな。人生賭けて音楽やってきた運命共同体「X JAPAN」だから。


追伸：
感動のあまり、風邪ひきました。
今日は会社休みました。いかん。

ようやく川崎で公開されたので初日に見てきた。
いや、リンチだった。まさに。


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ウサギ。やっぱこれだよね。

『イレイザーヘッド』の手触りに近いというか、『ロストハイウェイ』というか…。
リンチを味わいたいものには、至福の3時間14分だ。しかしこれは怖い。非常に怖い映画だった。基本的には「救いの物語」で、最後にはちゃんと救いが待っているんだが、あまりに怪奇。その怪奇は神秘的。
TV画面を見つめて涙を流す少女が、全ての答えを持つ人物だ。ウサギと電話の部屋は、「赤いカーテンの部屋」や「レバーを倒す男」に共通する世界の構造そのものを支配できる、あるいはそれを知る存在に違いないが、さらにその奥に存在する少女こそ、天使であり悪魔、もうひとりのローラ・ダーンであり、その実、彼女を操作する人物なのだ。

「まったく意味が分からない」という意見に対して、私には細かに解説したいという欲求が生まれてくる。ダテにこれまでリンチ映画を愛してきたわけじゃないし、少なからずリンチ映画は単に「訳の分からない映画」でなく、ちゃんと「答え」を持っている映画なのだから。ただ、その「答え」というか、この映画そのものを言葉で語ることに何の価値があるのか、というのが分からない。

例えば、優れた芸術は、それ以外の手段で表現できない。他の手段で表現できないからこそ、唯一無二の芸術なのだ。
音楽は、いかに言葉を尽くしたとしても、文字では説明できない。音そのものがなければ。つまり、リンチ映画は、映画そのものでしか説明できない。というか、「これはこういうシーンだ」と解説することは可能であっても、そうしてしまった時点ですでに映画ではなくなるということだ。

パンフレットは、人物の相関関係図とか、5つのストーリー（役者の話、撮影されている映画の話、『47』の話、ウサギ、TVを見る少女）の同時進行であることを明かし、映画を解釈しようとしている。
確かにそうなのだ。非常に分かりやすく、その入り口を教えてくれるパンフレットに仕上がっているのである。しかしそのヒントを与えられたことで、私は少なからず幻滅したのである。
『インランド・エンパイア』は、リンチの「リンチらしい」と言われる部分だけで作られた完璧な純度の映画であるゆえに。

「人助けは罪悪だと言ったはずだぞ！」

「悪魔にだって友情はあるんだ〜！」

TVアニメ『キン肉マン』を見ている。
思えば、人生で初めて熱中したものが『キン肉マン』だったのう。TVで超人オリンピックのラーメンマンvsブロッケンJrのあたりから見始めて、見事にハマッた。
で、単行本を集め始めていく年月、完結して二十数年。何度コミックを読み返したことか…。

アニメ版はアデランスの中野さんとアナ、キン骨マン一味のギャグシーンがうるさくてすぐにシリアスな展開に水を差すんだが、それでもこのベタベタな友情の物語の何と感動することか。
感動シーンは数あれど（原作および第二期アニメでは何と言ってもロビン消滅のエピソードが感動的だが）、第一期アニメの最大の盛り上がりはやはりマッスルブラザーズvsはぐれ悪魔超人コンビだろう。
ニュー・マシンガンズ戦からなだれ込むこの一戦、アシュラマンの執念の戦いと言ってもいい。キン肉マンとテリーマンの友情の行方、カメハメの死と二代目グレートの誕生と、試合そのもの以外の部分で進行するドラマも魅力的だ。出ずっぱりのはぐれ悪魔たちの、妥協なき徹底的なワルっぷりも炸裂。
卑怯な駆け引きでテリーマンから星マークを奪って勝利したにも関わらず、約束を破ってジェロニモに改良阿修羅バスターを食らわせるあたり、すがすがしいまでの極悪ぶりだ。
で、「黄金のマスク編」からの因縁で正義超人に挑戦し続けて、対マッスルブラザーズ戦は試合時間2時間を超える熱闘（作中、全試合でも最長の部類）。あの手この手で攻めてくるわけです。三面全てを怒り面に変えたアシュラマンは、まさに悪夢のような強さ。

で、サンシャインが試合を捨ててアシュラマンの危機を救ったときにこのセリフですよ。
「悪魔にだって友情はあるんだ〜！」
泣けますな。

アシュラマンはかつて自分を助けて滝つぼに飲まれたサムソンティーチャーの思い出を語り、三面号泣。

アニメのアシュラマンの声は郷里大輔氏。
ロビンの声もやってて、そちらは低くて太いながらも知的な声。しかし郷里氏はバスク・オムやウイグル獄長や山のフドウを演ずるお人です。ドスのきいたガラガラ声で筋肉質巨漢系がよく似合うお人です。アシュラマンもそんな声です。
原作からはもっとスマートで二枚目な感じの印象を受けるんで、とても違和感のある声です。が、もう「黄金のマスク編」から出ずっぱりで、タッグ編までの流れではキン肉マンの次に出番の多い超人だと思うんだが、こうまでよく出てきてしゃべりまくってると、慣れてくる。この低いダミ声が。
で、泣き面もこの声でやるんだよな〜と思ってたら、思ってたら、「ザンジャイン〜、ひどだすけばぁ〜」（←実際、濁点がやたらついたような声に聞こえるのです）のあと、顔を上げて号泣、続くセリフ「罪悪だと言ったはずだぞ！」で急にイケメンでサワヤカな声に！！
もちろん、演じてるのは郷里氏なんだが、すごくスマートでカッコよくて、まさにアシュラマンな声に変わるんだ！
これがプロなのかと思って感動した。さすがだ。

というわけで、色んな意味で感動した。
やっぱりはぐれ悪魔超人コンビ最高だよ。

封切りで見た映画なので結構前の話題なのだが、DVDが出たので『叫』を再見した。
いや、しかし、新聞紙転がしただけで世界の終わりを表現できる映画監督は、もはや黒沢清しかおらんよ！


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世界が終わって、今回もひとり取り残された役所広司。

世界の滅亡を見続ける男である。なんだか手塚治虫のスターシステムじゃないけど、黒沢清映画において、役所に与えられた業は「人類最後の一人」なんじゃなかろうか。

黒沢清映画が黒沢清として認知された『CURE』、『カリスマ』、『ニンゲン合格』あたりの流れから『回路』までがいわゆる絶頂期とか最盛期であるとか、そういう風には思わない。けれど、ある種の強烈な引力を持っていたのは確かだ。

『アカルイミライ』、『ドッペルゲンガー』の2作の後に、『LOFT』、『叫』と幽霊ホラーが2作。
何と言うか、黒沢清はもう到達してしまったとしか言いようがない。ことに幽霊描写に関しては。部屋の隅にじっと立っている幽霊であったり、肩を掴めたり喋りだしたりする幽霊、しかも世界を崩壊に導く幽霊はもう黒沢清のものだし、こうまでバンバン出てくるとセルフパロディーかと思うぐらい一つのキャラクターになっている。

作品の内容は清モノとしては分かりやすいし、特にここで言いたいことはないんだが、DVDは特典がよかった。最近の清は喋りすぎなんじゃないかというぐらいよく喋るが、結構核心をついたインタビューと、それに何とか答えてる清のやりとりが楽しい。
幽霊が飛んだりするのはもうコメディか何か（超越してます、このあたりの描写）だろうと思うが、「ああいうのがやりたくなっちゃうんです、すいません」というような言い訳をしているわけです、我らが黒沢清が。なんかスゴイ納得しちゃう、こういうの見ると。
長回しとか、微妙なカット割りとか、カメラ外の様子とか、半透明の薄い膜とか、他にも黒沢清的マクガフィンに満ちているんだが、結局ね、幽霊がぴょんと飛んだりしてしまうところに、ものすごく本質的なキヨシ節がある。例えば『LOFT』のラストでトヨエツが「うわあ〜」ってヘタレて沼に落ちるような。

ところで、あまりにも喋りすぎる黒沢清なので、ラストシーンの小西の叫びの描写についてもちゃんと解説してます。このシーンはどう解釈したらいいのかしばらく考えてはいたんだが、まあ、解説してくれたのでこれが答えなのだろう。
あの叫びのシーンまでにカットされた場面があって（DVDには特典で収録）、それがあると非常に分かりやすいシーケンスになっておる。でもキヨシ様は「観客が混乱すると思ったのでカットしました」とかシラッと言うんだな。余計混乱させてると思うんだが…。でも、そういうところが好きで我々は黒沢清にどこまでもついていくのである。

Jホラーなんとかっていう連作のシリーズに名前を連ねていたが、そっちはどうなったんでしょうね。

では最後にひと言。
「私は死んだ。だから、みんなも死んでください…」
何たる理不尽！
何たる黒沢清！

交響曲第11番《1905年》
ゲルギエフ　PMFオーケストラ　2004.7.30/Live



PMFとの11番を聴いたら、何とこれが意外にいいではないか！ゲルギエフらしくないっていうのではなく、いつものゲルギエフ節なんだが、すごく綺麗でそれがショスタコにちょっと似合ってた。

さて、打楽器を中心に（すみません）演奏の方を聴いていくと…。
まず1楽章。…遅い。ずっしりと重いテンポで始まって、どろどろと混ぜ込んでいくのはゲルギエフのショスタコらしい。スネアのピアニシモのロールとか、アンプの音量を上げないと聴こえないんだが、ちゃんと聴いてみると遠くで鳴ってる雨の音みたいで雰囲気出てるんだこれが！で、悪のテーマであるティンパニの3連符。ティンパニに限らずなんだが、こうした3連符の取り方が特徴的で、音が上昇するところで駆け込むように巻いてテンポを揺らす。しかもちゃんとオケがついてきて丁寧に縦線を合わせてる。やるのう、PMF。この「テンポ揺らし」は、結構効果があると思った。機械的かつ冷静に「ドドド・ドドド・ドドド」と不気味に迫ってくる感じにするか（私はショスタコのこの打楽器用法を「殺人機械」と命名したい）、あるいはこの盤のように焦りや不安を表現して急かすような感じで揺らしてみるか。私は前者が好みだが、ゲルギエフの後者の選択はちゃんと意味を持って聴こえる。「悪の兆し」である銅鑼がほとんど聴こえないのは残念だが。
で、問題の2楽章。ふわっとした綺麗な音色で始まる。流麗なのよね、オーケストラが。その分、くさび的なアクセントは弱いのだが（特に弦楽器）、音楽の流れはしっかりしている。いよいよ盛り上がってくると指揮者の足音みたいなのがボスボスと聴こえる（これは4楽章の最後まで続く）。で、速くなった時の打楽器の3連符や16分音符の処理がね、これが「（うん）タタダン！」という感じで最後の頭拍のとこにウエイトが来る。これが非常に聴きにくい。やっぱりショスタコは「（んっ）ダララン！」と入りの裏拍にウエイトが来た方がオケの空白部分を埋めるには印象的だし、撃たれた感じがする。この盤でもっとも気になるのはこの点だのう。だから2楽章全体が軽く、というかゆるく聴こえるのは否めない。オケがまたすこぶる丁寧だし。スネア奏者も真面目に叩いてますという感じで、こう、何と言うか悪の魂が乗り移ってないというか…。やっぱりスネアは殺人機械になっていただかないと。一方、ティンパニは好演で、83番のソロとかちゃんとハマッてる。色んな演奏を聴いてもなかなかここは上手くいかないんだけど、非常によいです。音程感のない音色がまたマッチしてて。
3楽章になると、この素晴らしいティンパニが力を発揮してくれる。こりゃすごいわ。ずんずんきます。3連符の連打のところ。でもなぜか113の辺りで急に速くなる。ティンパニが走っているように聴こえるが、ちゃんとオケも付いてる。この辺りにはゲルギーの深いお考えがあるんかのう。しかしこのオケのアンサンブル力というか、「他パートとちゃんと会わせよう」という意識はすごい。テンポの揺れにすぐ反応して合わせていくんだから。ティンパニが走って聴こえるのはアーティキュレーションの問題もあるかと思うけど、やっぱり先行してテンポ出してんのかな。
4楽章冒頭は弦楽器の刻みで16分音符になると力不足になるものの、安定したドライブ。スネアは2楽章で指摘した通りの問題を抱えているが、タテがずれないので安心して聴ける。いやあ、しかし堅実に鳴らすのう。素晴らしいオーケストラだ。下手なプロオケ聴くよりよっぽど面白そうな。
少なくとも、終演後のブラボーと拍手には説得力がある。管は綺麗に上から下まで鳴ってるし、録音も若干ノイズがあるものの低音をちゃんと拾っていて心地いい。緊張感も持続し、最後のコーダのとこは感動しちゃった。

なお、このPMFオーケストラのCDは会員限定で販売された大変貴重なもので、知人のご厚意により聴くことがかないました。心より感謝したいと思います。ありがとうございます。
何とも豪華な3枚組みで、ウェンピンという人のツァラトゥストラ、ルイージのマラ6が入ってた。これら2つの演奏を聴くと、なんだやっぱゲルギエフってスゴイじゃん、と思うわけだが、若さゆえの過ちとでも言うべきツァラには心底惚れた…。これはいいものだ。

…あ、タイトル見て今気づいたんだが11番というのはショスタコーヴィチの11番です。我々は交響曲を言うときにわざわざ「ショスタコヴィチの」とは付けん。ショスタコに決まっとるじゃないか。

もしかしたら古いニュースなんだろうか。たまたま見つけて狂喜したわけだが、Xの名盤「BLUE BLOOD」がリマスタたい。
YOSHIKIはいつもやるやる言っといて全然やらんのでちょっと不安だったが、HMVでもちゃんと確認した。これは確かだ。しかも「Jealousy」も一緒に。これは感涙ですな。特に前者は89年にレコードと一緒に出した時代のもので、録音が悪かった。スネアの音は沈んでるし、トムは音程感が死んでるし、売りのはずのバスドラの輪郭も甘くて立体感に欠ける。これが最新リマスタとはね。TAIJIのベースもぐわんぐわん鳴ってるんだろうなぁ…。
「Jealousy」は今のままでも聴けるが、リマスタしてくれるに越したことはない。Silent Jealousyの冒頭のドラムが楽しみでならん。YOSHIKIのドラムに関しては、私もたいこ屋の端くれとしていつかちゃんと考えて書いてみたいとは思うが、まあ、あれはドラムじゃなくてYOSHIKIという楽器であると、つまり。もはや旋律楽器です。
で、「Jealousy」のリマスタ、どうせなら当初の予定通りSadistic DesireとStanding Sexを入れてほしいのう…。それなら完璧なんだが…。

コンドラシンのショスタコ全集もメロディアからリマスタだし、リマスタ関連も嬉しいニュースが多い。ていうかJ-popもリマスタなんてやるんですね。やっぱりXは音源が古いからでしょうか。

しかしYOSHIKIのGacktとのバンド情報はその後どうなったんかのう。
ていうかですな、Gacktは別にどっちでもいいので、Violet UKを早く出してほしいわけです、ファンとしては。

よく妄想するんだが、仮にX JAPANが復活するとして、どんなメンバーなら許せるかという話題で、やっぱりYOSHIKIとTOSHIは絶対にいなきゃダメなんだが、他にグレイやらルナシーやら、いくらエクスタシー系でも他のミュージシャンを入れるのはどうかと。やっぱりYOSHIKI、TOSHI、PATA、HEATHはいなきゃダメですわ。で、5人目はTAIJIと。これしかないよ。TAIJIはベースもギターもいけるし。で、ドラムの後ろにはでっかいHIDEの写真を立てて。もしこのメンバーで一度でもLIVEがあったら、世のXファンは発狂すると思う、確実に。

ふと思ったんだが、成蹊大学のオケはごく一般的なオーケストラで、基本的にたいこは各学年1人。メイン・中・前と3曲あって、まあどれもたいこは2〜3人か、交響曲なんかは1人で叩くのが多かったわけだ。スネアを使う曲なんて滅多になくて、スネア叩きだった私は吹奏楽と掛け持ちをしていたわけだ。超下手なくせにドラムとか叩きたがってた若かりし日々。

4年間終わって大学オケを放り出されたら、たいこ屋の私はいったいどこに行けばいいんかと思った。ええと…、言っていいですか？…ええい、私はベートーヴェンとかモーツァルトとかブラームスとか、まったく興味が沸かんのだよ（開き直り）。
やっぱ吹奏楽よりオケが好きだし、でも打楽器がガンガン鳴るような曲ばかりやってるオケってあるんかなと、2年間ぐらい放浪した気がする。

それがどうしたことか。気付いたら今年はダスビのショス8に始まって、ハモンで英雄の生涯、TAMA21でショス1、ルスコでブリテンだって？はあ、世の中にはこういう曲ばかりやってるオケってあるんだな〜。きっと僕みたいにベトやモツに興味のない人がたくさんいるんだろうなあ（勘違い）。

で、ハモンの次のプログラムが「春の祭典」なのだよ。
なんか、高校生の時に誰かに「最も難しい曲。アマチュアは手を出しちゃいかん」みたいなことを言われた気がする。

というわけで、来年7月のハルサイに向けて、どうなるんかなと思う最近。
まずちゃんと楽器揃って練習できる日って何日あるんだ、とか。

とりあえず、スコア買ってみた。

『LOFT』を封切とともに見てきた。横浜ニューテアトルである。
単館系というのは、「系」がつくから実際に単館でなくとも『LOFT』は事実上単館系なんじゃないかと思うのだが、いやしかし、横浜ニューテアトルの雰囲気は素晴らしい。こうしたバスの車内のような映画館って、もうすっかり見かけなくなった。わが町、町田もル・シネマが潰れて久しい。

さておき、この『LOFT』。はっきり言おう。もう付いていけない黒沢清ワールドが炸裂し、悪ノリと芸術の狭間をさまようこの映画は、誰も面白いとは言わないだろう。誰がこんな映画を見たいと思うのか！（…いや、まあ私なんだけど）

例えば、たまにはホラー映画でも見てキャーッと叫んで、よしよしなんて企んでいるカップルがいたとする。『着信アリ』みたいな、デート映画にもなりうる軽めのホラーを期待して。なんだかミイラが出てくるみたいだし。トヨエツと中谷が主役らしいし。加藤晴彦も出てるし。いいじゃないか。
しかし想像してみたまえ。笑うしかない、もしそんなカップルがいたとしたら。映画が進むにつれ、彼らはどんどん居心地が悪くなる。そしてミイラがドーンと立ち上がって動き回った時、どうしていいか分からなくなり、凍りつくだろう。とどめはラストだ。あのラストを見た後で、いったいどんな声をかければいいというのか。黒沢清は、相当に凶悪な映画監督である。この映画が原因で破滅したカップルがいたらどうしてくれるというのだ。

前作『ドッペルゲンガー』にも言えたことだが、もはや黒沢映画はジャンルを超越している。一応はホラーということなのだろうが、まあ、まず怖くはない。ミイラと幽霊が出てくるので、少なくともジャンル映画ではあろうと思えるものの、しかしジャンルを特定できない。普通に考えればコメディ以外の何ものでもないのだが、いわゆるコメディとは違う。これはもう、決めた、私はこうジャンル付けする。「黒沢清もの」と。

以下、ネタバレを含む。

その純然たる黒沢清もの映画として、『LOFT』が一歩踏み出したのはビデオ撮りによる微妙な視点のブレである。
黒沢清と言えば長回し、というのもまあ言い方としては正しいと思う。ずーーっとカットのないままカメラの内外をさまよう人物であったり、俯瞰ショットであったりというのを、消火器が突然転がるとかそういう手法でザックリと切断してくれるわけだが、『LOFT』ではイライラするぐらいカットが短い。いや、カットが短いというか、同じ場面が、ちょっとだけ位置をずらしたカメラからの視点に唐突に切り替わったりする。だから、画面そのものが収めているものは変わらないのだ。ガクッと画面がブレてちょっとだけ違う位置から撮影されたものに切り替わる。これは吐き気さえ感じさせる不安な感じを与える。
それでもゾッとするような美しいショットの連続、というか全編がそういった奇妙な美しさをまとっているから、黒沢清は麻薬のような魅力がある。
道具立ても優れている。ほとんどが現実的でない異様なものばかりなのだが。それは機械であることが多い。例えばあのミドリ沼の船着場のような装置。あれは一体どんな機械なのか。そもそもあれに死体をくくり付けていていたらすぐに見つかってしまうではないか。しかしそんな常識的なツッコミの一切を映画ははねのける。あの焼却炉にしてもそうだ。あんなの危険極まりない。これらの機械のテーマは、繰り返し黒沢が主張する「自動」と「殺人」である。一度スイッチが入ってしまったら、それは人々の意思に関係なく動き出すのだ。そしてそれが死を予感させる不吉な動きを見せる。
こうした異常な機械装置への愛着はフェチズムに近い。黒沢の愛する古典ホラー映画へのオマージュとして始まったものかも知れないが、もはやそれは黒沢清とは切っても切り離せないものになっている。
ミイラ自身、「起き上がりこぼし」ものの系譜に乗っかるのである。入ってしまったスイッチにより自動的にガバッと起き上がってくる装置のひとつ。ミドリ沼の装置が、安達祐実の死体を絡めとるのもそのバリエーションである。

幽霊の登場理論に関してはこれまでと変わらないので、これはもう黒沢の専売特許でもあり、完成された表現のひとつなのだろうと思う。つまり、部屋の隅のほうに、まるで染みのようにぼやっと立っている黒い幽霊である。その動きも含め、古くは『DOORIII』から『廃校奇談』、『木霊』などを経て完成されたものだ。
『LOFT』の安達祐実が幽霊役として相応しいかどうかは分からない。いや、実はミスキャストではないか。彼女には顔がある。顔が認知されていると言い換えてもいい。ある世代にとっては安達はいまだに「具が大きい」し、「レックス〜」だからな。

トヨエツが出てくる場面がほとんど全てコメディに見えるのは、彼の持つ生真面目さゆえなのか。
とりあえず、神妙な顔をして中谷の家のわずかに開いた玄関で、「預かってほしいものがあります…ミイラ」っていうのはすごい。この後、「は？」となって断るのが普通なのだが、ちゃんと部屋の中に入れてミイラを寝かしてる中谷もすごい。この展開、ありえない。普通は。これをやってのけるのが黒沢清なのだ。と言えばこの映画はほとんど語られたと言ってもいいだろう。
それから、嵐の中で死体を掘り返す場面。結局、死体は出てこなくて、2人は安堵の中で抱き合うわけだが、これはもうほんとに「よくやった、黒沢清！」とスタンディングオベーションしたくなるような演出。黒沢は古いアメリカ映画をとにかく愛していて、ついに黒沢自身もそれをやってしまった、という。ほとんど音楽らしい音楽も流れない奇妙な劇伴を伴う黒沢映画に、突然去来する壮大なラブロマンス風の音楽！トヨエツと中谷の恋愛描写はほんとに、ここまでやれば天晴れであろう。「旅に出よう」、「どこまで？」、「世界の果てまで」とか、そういうセリフが臆面もなく出てくるのだから。「あなたのために全てを捨てる」とか「永遠に離さない」とか。恥ずかしいとか白々しいとかいったものを通り超えとる。
別にこれは純愛だの何だのという、感傷めいた近年の流行恋愛映画をバカにしたものでも、批判したものでもない。黒沢清がただこうやりたかったというだけのことだ。そして、これを面白く映画にはめ込んでみせたということだ。

ミイラがいよいよ起き上がって、トヨエツにキスを迫るように襲い掛かってくるんだが、その後にトヨエツがとんでもないことを言う。
「動けるなら最初からそうしろ」と！
トヨエツも中谷も、ミイラに抵抗する際にものすごく正しい説教をたれる。「自分のことは自分で解決しろ」とかそんな内容。その通り過ぎて何も言えない。

いやあ、しかし、あのラスト。最強ですな。ドーンと死体が上がってきて、おお、これはまさに黒沢清だ！と感動した瞬間、「うわ〜」ってトヨエツが…。取り残された中谷の表情も面白いんだが、やはりあの場面は笑っていいんだろうと思う。

物語そのものの進行は、これまでの黒沢清の説明不足映画から比べればシンプルなものだ。
中谷が住む洋館で、かつて安達祐実が殺された。そのくだりが、現実なのか虚構なのかは判断できないものの、トヨエツの回想として描かれているのだ。殺人鬼・西島秀俊が、手篭めにしようとした安達を殺し、その現場を見てしまった変態教授・トヨエツがこっそり後で見に行く。すると突然甦った安達が訳の分からぬことを叫び、トヨエツも勢い余って再び安達を再び殺す。死んでも甦ってきて、また殺す、という図式は『ドッペルゲンガー』にも通ずるが、一体安達祐実は何回殺されたのか。あるいいはトヨエツの妄想か。といったシンプルな作りである。
安達にはミイラがとり憑いているわけだが、それはトヨエツの視点によるものだ。トヨエツはミイラに心惹かれた変態教授であり、その変態的妄想にとり憑かれて安達とミイラがだぶるのである。
だからこそ、いったんは土の中に埋めた安達を掘り返してミドリ沼に沈めてしまう。

しかしながら、この映画には物語のシンプルさと相反する不可解な要素がいくつも散りばめられている。
今月号の「文学界」がなんと黒沢清特集で、こういう文芸誌ではちゃんと取り上げるんだなとちょっと感心したものだが、その中でヒッチコックの名が頻繁に出てくる。黒沢自身が「ヒッチコックをやってしまった」と蓮實重彦との対談で語っているぐらいだ。で、ヒッチコック解禁とばかりに、マクガフィンという言葉が出てくる。黒沢でマクガフィンという言葉を使っていいならこれは論ずるのに便利だ、と妙に納得してしまった。
というわけで、劇中の不可解さはマクガフィンに近いけれど、それは直接ストーリーの方向性を決めるのに影響しないという意味でマクガフィンなのであって、映画には必要不可欠なものなのだ。黒沢的マクガフィンとでも言おうか。
例えば映画の冒頭で中谷が吐く泥。なぜ泥を吐くのか。それが物語のスタートであったはずだ。もちろんそれは幻覚であろうという描写もある。しかし、泥は途中で放棄されてしまって、後半ではまったく出てこないし、解決もしない。
それからミドリ沼から引き上げられたミイラの記録フィルム。加藤晴彦もその後まったく出てこないし。
安達祐実の書いた恋愛小説の内容も分からない。しかしきっとこの小説の筋は重要なのだ。恥ずかしいぐらいのラブロマンス、大衆娯楽を要求された中谷が結局この安達の小説を丸写しするわけだから、少なくとも劇中のあの異様なロマンス描写にも絡んでくる。
黒沢清が難解と言われる所以はこの辺りにあるのだろう。

『LOFT』についてはまだまだ語るべきことが多いのだが、だいぶ文字数も多くなってしまったので、ここら辺にしとこう。
最後に、この映画のタイトル。『黒沢清の映画術』によれば、まあ最初にロフトで寝転がってた中谷が『裏窓』状態でトヨエツを覗くというプロットだったそうで。タイトルだけそのまま残ってしまったようだ。いっそのこと『ミドリ沼のミイラ』にすれば最高だった気がするんだが。

kitanoのチタンスネアを使用中である。この前のコンサートで使ったが、リハ中に芸劇での響き具合を色々とチェックできた。自分で叩いている感覚以上に、客席で聞いたらよく鳴っていた。突き刺さるような鋭いフォルテシモが魅力。ものすごく硬質で、密度のある音色。

　
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いやー、実によく鳴る。kitanoのチタンスネア、K-TISD1455-3T。シェル厚は3mm。6mmとかのもあるようだが、私には3mmぐらいがちょうどいい。ラグもチタン。ボルトはブラス。

私はスナッピーを結構締め上げるので、ピアニシモでのロールの反応が鈍くなるのは宿命と思って諦めるが、それでもはっきりした輪郭があるのでピアノでもオケに埋もれない。というか、小さく叩いても音量が出ちゃうんだよな、これ。録音を聞いてみないとこの辺りのバランスは分からない。出すぎかもしれん。

せっかくチタンスネアを買ったのだからと、フープもkitnoのチタンに変更。ダブルフープ。ちなみにこのフープ、片方だけでもスネアが1台買えるほどの値段がする……（だからスネア面はダイキャスト）。
ダブルフープの効用ってどんなもんだろうと、それほど期待してはいなかったが、付けてみてびっくり。全然違う。音が締まった。ローズウッドのスネアみたいに、かなりまとまったストレートな音に。余計な倍音もカット、暴れないし、音が塊のように引き締まる。こりゃすごいわ。なんでかねぇ。力学的なことを知りたい。
ま、私がダブルフープを付けた理由は、音色の改善もさることながら見た目がカッコイイからなんですけど（うそ）。だって、二重の輪っか。これはカッコイイでしょう。


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ダブルフープは5.5インチぐらいだとストレイナーに干渉する可能性があるため、写真のように切り込みが入っとる。スナッピーのケーブルは、何とかという聞いたことのない素材で、反応がいいらしい。ほんとか？しかしこのケーブル、針金みたいにかなり硬いのでオフにしても形が固まっててちゃんと下がらない。スナッピーが鳴ってしまう。普通のヒモに変えようかな…。

スナッピーは金カノウプスに。やっぱカノウプスのスナッピーってよく鳴る気がする。パールの直線タイプのやつもロールの反応がよくて魅力的だが、フォルテシモでスネアのど真ん中をバシッと叩いたときの鳴りが弱いので、やはりフォルテの打撃音を優先してカノウプス。説明見たらメタルシェルには金より銀の方がいいみたいなことも書いてあったが、どうなんだろう。そのうち試してみる。

ヘッドはごく普通のレモのコーテッド。アンバサダー。裏もレモのアンバサ。ごく普通の組み合わせ。
高校生の頃からヘッドはそれこそ色んなものを試してきたが、結局行き着いたのが（というか巡り巡って戻ってきたのが）この組み合わせなんだよな。普通すぎて何の工夫もないけど。

クラシック、しかもシンフォニックを志す私のようなスネアドラマーなら、6.5インチぐらいの木胴を深い音で鳴らしたいというのが一般的なのかもしれない。フィルハーモニックモデルとか、クラシック用に開発されたやつ。Pearlなんて結構いいスネアをたくさん作っているし、YAMAHAにもクラシックモデルがあるし。そういうのに直線スナッピー付けてルネッサンス張って叩くと、高めにチューニングしても、ズンッと沈み込むような下の音がちゃんと鳴ったりする。私もそういうのが好きだった。
今回、kitanoを買うときに迷ったのがカノウプスのゼルコバで、別にクラシック用というわけではないんだが、深みのある温かい音がする。音量も出るし抜けもいいし、カノウプス全般に言えることだがロールがすごく綺麗に鳴るし、こりゃ買いじゃないか、と思った。旧価格でも15万ぐらいするのだが、値段以上の音色が出せる。
しかし何で最終的にkitanoのチタンになったかといえば、それはもうずばり、立ち上がりの鋭さ。楔を打つように決まるフォルテ。私の中でのスネアのイメージはショスタコーヴィチ（の交響曲）なんだが、ショスタコーヴィチで最も有効的な音色は、いわゆるクラシックらしい深く広がりのある音色ではなくて、多少汚かろうとバシバシ決まる超ストレートな鋭い音色なのだと確信している。
じゃあ、ショスタコ以外じゃ使えないんじゃないの？　……。いや、どの曲を叩いてもショスタコっぽいスネアになるのだ。いいことじゃないか（うそ）。

今までクラシック叩きとしてのプライドから木胴を使ってきたが、やっぱり自分はメタル派なのかのう。
思えば、初めて叩いた高校の学校楽器はLudwigの400だった…。大学のオケにあったのもなぜか400だった。あれはいいものだ。スチールスネアの鏡ですな。

と、同時に、私を惹きつけて止まないのは浅胴のピッコロスネア。パリッパリでカンカン鳴る超ハイピッチにチューニングされたもの。
私が高校生の時にバイトして初めて買ったスネアは、Ludwigの１3×3。これこそ吹奏楽ならまだしも、オーケストラでは使う機会なんてまるでない。まったくない。この10年間、オケで使ったことなどない。いや、キャンディード序曲を1度叩いたか。軽くて薄くて持ち運びしやすいし、便利なんだけどな。

　
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これ。LudwigのLS555。13×3、メイプル。打面にはルネッサンス。

ハイピッチスネアに惹かれたのは……、あれ？　これもショスタコだ。カラヤンが振った10番、ベルリン・フィルなんだが、すごいハイピッチでカッコよかったんだ、少年心に。アシュケナージ盤も同様。で、こういうスネア叩きたいなと思ってどんどんハイピッチドラマーになっていった。
結局チタンも通常よりはるかにピッチが高いし。特に打面はそうとう締めてる。締めた方がばちのリバウンドもいいし、ロールしやすいし。

というわけで今日の結論。スネアとは、ショスタコーヴィチである。……。

だいぶ更新を怠っていたのでちょっと連続気味に。最近の映画について。劇場で見たほう。

最近見た中では、『オーメン』のリメイーク版が良かった。しかしそれはちょっとショックなことだったのだ。

グレゴリー・ペックには敵わんですし、あの静かな雰囲気が好きなので私はオリジナル版を推したい。リメーク版は、いかにも視聴者を脅かせるような大音量の効果音がかなり煩わしい。映画の品性を損なっている。ダミアン少年の不気味さもないし。
ただ、物語はオリジナルに忠実で、やはりこれは見事としか言いようがなかった。ダミアンの周囲の不気味な人々、誕生パーティで飛び降りる女とか。直接的な残酷シーンは、オリジナル同様にカメラマンの首が飛ぶシーンがあるけれど、まあ、それでもスプラッタ映画のような残酷シーンは少ない。そういう怖さではなくて、もっと気分が悪くなるような閉塞的な気持ち悪さがある。入院している妻を殺すところなんて、あの気持ち悪さは類を見ない。そういうじわじわと追い詰めていく恐怖感が実によくできている。
で、最初にこの『オーメン』の面白さがショックだと言ったのは、これは過去の名作をそのままなぞったもので、新しい何かが生まれたわけではないのにも関わらず、それでも面白かったからだ。つまり、ここ数年で公開されたほとんどのホラー映画は、この過去のリメーク作品にさえ敵わないのだ。そういうことを実感したからショックなのだ。
かつて私はホラーばっかり見る映画ファンだったが、最近遠のいているのはそういうわけかもしれないと分かった。だって、全然面白くないんだもの。特に洋画ホラー。もうダメだなこのジャンルは、とさえ思った。もしかしたら、もう面白いホラー映画は作られ尽くしてしまったのかもしれない。それはショックなことだ。泣きたいぐらいに。
というわけで、誰か面白い洋画ホラー作ってくれい。邦画ホラーは黒沢清がまだ現役なので大丈夫だ。知的なホラーを作ってくれることだろう。『ロフト』のCMを見たがこれはかなりいい雰囲気だった。セルフパロディかというほど、黒沢清要素が詰まっていた。半透明のカーテンやガラスに透ける怪異の存在とか、木の陰に立っている幽霊とか。いいね、実にいい。

次は『ミッション・インポッシブル3』について。
やはりこのシリーズ、デ・パルマの1作目が面白すぎたんだ、きっと。テレビシリーズもちょこちょこ見ているけれど、全部通してこの劇場1作目だけ異様なまでに面白い。まあ、私がデ・パルマが好きだからひいき目なのかも知れんが、とりあえず、スパイなんだから、この映画は。色んな小道具使ってありえない作戦にチームで挑んでなんぼのものでしょうに。2はジョン・ウーの世界観のみで作られていて、それはそれで映画としちゃあ一定の完成度があるんだが（ハトと二丁拳銃には笑うしかない）、3はどうか。
私はシーズン1しか見ていないが、ちょっと前に流行った『24』みたいな話だのう。全編見せ場みたいな感じで確かに盛り上がるんだが。1作目のイーサン・ハントが一番かっこよかったのう。ルーサーも天才ハッカーという感じじゃなくなってたしな。イーサンは結婚したみたいだし、そろそろ別の主人公を立てて原点回帰のスパイアクション&ミステリが見たい。

次、『ブレイブ・ストーリー』。
これはだいぶ前からCMがやっててずいぶん期待していた。原作は未読。宮部みゆきは、話は面白いと思うが文がどうしても好きになれんので5、6作しか読んでいない。ブレイブストーリーもやたら長いし、アニメになれば面白そうだなと思っていたわけです。
で、見てきたのだが、これ2時間映画にするには無理があるな、という感想。富野由悠季もびっくりの展開。特に仲間たちのことが全然描けてないもんだから、これはまずいだろうと。2時間1本でいくなら仲間とかはさておき、ワタルとミツルの対立をじっくりと描くしかないんだろうと思う。
映画だけではどうにも説明不足な部分が多くて、すごく瑣末なところで「おや？」と疑問に思うことがいくつかあったけれど、でもまあ、面白かった。こういう異世界飛ばされ系ファンタジーが好きなんだな僕、きっと。小学生の頃、『魔神英雄伝ワタル』とか大好きだったし。もっと小さい頃は『ポールのミラクル大作戦』が好きだったし。
ミツルはカッコイイのう。その行動原理の描写は浅かったけれど、キャラクターとしちゃ王道だし、王道なりの魅力がある。ラスト、現実の世界に戻ってきてからのあれはないだろうと思うが。…ミツル、小学5年生か。ありえん。

次、『パイレーツ・オブ・カリビアン　デッドマンズ・チェスト』。
なんだ、この邦題は！いかん！1作目が「呪われた海賊たち」だぞ。あのダサイ邦題センスをなぜ受け継がずに、なぜいかにも最近の映画らしいアホな邦題にしてしまったのか。せめてそのまま「死者の宝箱」でいいじゃないか！ていうか、なんで「カリブの海賊」じゃダメなんだ？分からんのう。
かなり長い映画だったが、構成が全然ダメで話は途中で終わるし不必要なエピソードが延々続くし、なんの謎解きもカタルシスもないんだが、それでも面白いこの映画って、やっぱすごいよなと思った。例えば序盤の、未開人の集落から脱出するシーケンス。根っこで作られた丸い牢屋に閉じ込められたウィルたちが逃げるところ。逃げるだけなのに、すっごい面白いんだこれが。ジャック・スパロウが丸焼きにされそうなところを危機一髪で逃げ切るところも最高だ。これって、面白く見せる技術があるからだろうな、と思う。
最後でエリザベスが女の業を見せて、デップファンからは大ブーイング受けるだろうなとは思いつつも、ちょっとシリアスな展開がなかなか見所。エリザベスは本当はジャックのことが好きでたまらんのだね。本能的な部分で惹かれているから、それに気付いた理性がジャックを殺そうとするのだ。女エリザベスの業を見た。